Sin sentido en el camino

Sin vida
sin llama en el alma
me encuentro perdida
tiempo atrás perdí el sentido
... de la vida
giró el rumbo
hacia un ala caida
todo quedó en el olvido
como si nunca hubiera sucedido
pero la verdad es otra

Nublé la vista
cerré los ojos
me olvidé de todo
como un paréntesis
sin darme cuenta del dolor que producía
¿en qué mundo vivía?
Sin duda, en este no
Mala educación
sin sentido ni sentimiento
un tormento, Dolor...
dolor por darme cuenta como he sido
No se si llamarlo egoismo, porque así no me siento
inocencia, inexperiencia, y sí, Egoista
Pero no el fondo, sino en la forma
buenas pretensiones con malas maneras
querer hacerlo bien
y sinembargo hacer daño

El esfuerzo se queda en el camino
y en él también las buenas pretensiones
para convertirse en todo lo que para uno nunca desearía
Cómo saldar, cómo desanudar lo enredado
el dolor es imborrable,
los hechos están grabados
yo ya he actuado
ahora.... estoy perdida
y necesito si no es recuperar
dejarlo claro
apartar las nubes, las tormentas y los rayos
porque mi alma está vacia
le falta algo
(...)

Dudas en el pasado

Loco reloj que vuela...(sin rastro alguno)
recuerdas y olvidas
sin dejar nada
qué has echo?
sin decirte nada
has parado

Una pausa en el camino,
dejó de sufragar...
recuerda el olvido
lo que dejó en el tintero
y a hora ha crecido
lo ve, (lo ve)
esta ahí, y nunca lo había visto

Qué es lo que cambia,
qué es lo que ha existido
no lo concibo
qué necesito?

Necesito encontrar
ese valor escondido
hace tiempo que se escapó
y no aparece más
que en el suicidio

El suicidio de la palabra
no tengas un malentendido
es algo que es transparente
y no deja ser visto

Por la poesía desenfrenada

La mente es compleja y así las realidades que en ella suscitan

loco pájaro que vuela sin ser concevido

un dolor inhóspito que se derrama en el nido

no hay palabras que describan estos sentimientos

más que por mi fuera no podría ni decirlo

donde depara este camino interminable lleno de baches y alegrías

indiferencia es lo siento

imposible

verbo "instrasigido".

Inocencias que matan

verbos que mueren

son las verdades solas

las que te apuñalan

mientras duermes

Loco reloj, dijo alguno

sí, el que las agujas señala

como los minutos y horas, que pasan

sin verlo ni oirlo

El agua fluye

tu mente resbala

en el suelo yaces

piensa

Un café, una taza, tu salud

¿qué pasa?

Puntos suspensivos...

sonríe, esto es vida

Poesía era lo que necesitaba

cuentos largos e inocuos no salían de mi pluma

pero mente insensata, ¿a dónde vas?

¿Acaso de creías más?

Granada, un potencial en Arco

La 28 edición de la feria de arte de Madrid acoge a la galeria Sandunga como la única representante de la ciudad y las obras de artistas como José Guerrero, Jesús Zurita y Juan Francisco Casas

Comienza una jornada a simple vista normal en la Feria de Madrid, pero con la incertidumbre de los galeristas que sugestionados por la crisis ven temblar las opciones de ventas de sus obras expuestas en Arco 2009. Con un 30 por ciento de participación española en la feria de arte más internacional de Madrid, Granada se ha hecho un hueco, entre las 238 participantes, en la sección Arco 40 con la galeria Sandunga, uno de los espacios expositivos de la capital granadina más atrevidos y variados en sus programaciones. Se trata de la séptima vez que acuden a este encuentro, afirmó ayer el director de la galería, Emilio Sandunga, quien para la ocasión ha contado con varios de los artistas más consagrados de la ciudad y que constituyen su gran apuesta de este año: Jesús Zurita, el malagueño Simón Zabell, Carlos Aires y Juan Francisco Casas. Cuatro jóvenes artistas que han confluido sus distintos estilos para unir una idea en sus trabajos, la de la músicalidad. La obra de Thanhaussen es la que ha inspirado a los creadores en su proyecto para la vigésima octava edición de Arcomadrid. Zurita y Zabell reflejan en piezas de gran formato, realizadas con acrílico sobre lienzo, la línea divisoria entre el bien y el mal, cosa que Aires ha sabido trasladar muy bien con otro objeto que ha causado gran impresión en los asistentes, 40 discos de vinilo, la materia prima a la que ha dado distintas formas, siempre relacionadas con el título del disco, obra que ha títulado Love is in the air.

De lo privado a lo público, la Junta de Andalucía no se ha quedado atrás, con un stand que es arte por si mismo, una plataforma blanca circular en la que imágenes proyectadas sobre las paredes acolchadas dan colorido. Son las obras de la II Muestra de Vídeo Andaluz Survideovisiones, que se han unido en el expositor a la de los tres artistas galardonados en 2008 con los Premios Iniciarte a la actividad artística. Entre ellos, de nuevo se encuentra el nombre de Jesús Zurita, con una línea meláncolica, misteriosa y oscura; Rogelio López Cuenca y Jacobo Castellano.

Otros grandes nombres se han dejado ver, como José Guerrero en el stand de Caja Madrid, con una muestra de dos obras fotográficas que forman parte del proyecto Down Town. En el que reflexiona el paso del tiempo, la memoria y el olvido a través de los límites de la ciudad. Un poco más escondidos y en galerías madrileñas también se han encontrado las creaciones de artistas granadinos como Antonio Montalvo, en Espacio Mínimo, en el marco de Arco 40, con Túmulo; y Ángeles Agrela, quien ha presentado dos piezas de la colección Lección de Anatomía por la que ha apostado la galería Magda Bellotti.

Los árboles cubistas de Ricardo García

Naturaleza, árboles y geometría son los principios fundamentales del último trabajo del artista granadino Ricardo García. Con un orden privilegiado de elementos, logra el equilibrio en Árboles: una colección de treinta lienzos que expone en el Centro Cultural Gran Capitán hasta el próximo 12 de febrero.

Más de un centenar de personas acudieron ayer a la inauguración de la muestra, un acto que contó con la presencia del alcalde, José Torres Hurtado, el concejal de Cultura, Juan García Montero, y el director del diario Granada Hoy Ramón Ramos, junto a decenas de artistas y personalidades del ámbito de la cultura de la ciudad, además de amigos y 'seguidores' del creador granadino.

Ricardo García, que presenta en Gran Capitán una "cuidada selección" de su obra reciente, ofreció al público que acudió a la presentación con una visita guiada para explicar la motivación y el concepto que impregna su trabajo plástico. En esta ocasión se trata de Árboles, una exposición comisariada por Bernardo Palomo, que es "fruto de una proceso digital de imágenes que el artista traslada al cuadro y desvirtualiza para obtener nuevas naturalezas".

La muestra se integra por una selección de las piezas "más significativas" y recientes del artista, en las que se ve representada la esencia y la potencia expresiva del autor. García hace un guiño al concepto del árbol desvirtuado como un aspecto expresivo. La naturaleza se convierte entonces en la base y esencia de su trabajo, ya que la utiliza como el diamante en bruto que le conduce al producto final de su obra.

El trabajo de Ricardo García supone una reinterpretación de la naturaleza, deconstruir lo construido para generar nuevas imágenes y objetos. Utilizando nuevas técnicas digitales, deconstruye fotografías, las trata informáticamente y las desnaturaliza para que le sirvan de fondo casi imperceptible. Consiste en un proceso de elaboración arduo y riguroso, en el que consigue trasladar imágenes que capta con su objetivo a un lienzo en el que sustituye los trazos y las pinceladas por elementos que redibuja en un proceso de génesis.

El artista configura en sus lienzos nuevos espacios donde genera cuadrados y cubos que dotan de tridimensionalidad a la obra. Se caracteriza por una abstracción que se escapa de la figuración y deja entrever en un juego de capas y veladuras unas tramas de pintura que llevan a una simetría desfigurada.

Los árboles constituyen en el trabajo de García el instrumento que le ha servido "como excusa" para darle un sentido geométrico a la obra. "No se trata de dibujar troncos sino de valerse de un elemento de la naturaleza, como son los árboles, para trazar líneas rectas que se cruzan y conducen a una geometría suprema que intenta acercarse al cubismo". "El árbol", explica García, "me sirve para hacer trazos anchos, tiras o bandas en el lienzo que representan la línea que recorre la superficie de la obra". El escenario natural que ha escogido como protagonista de su obra ha sido un bosque de la capital portuguesa que en esta ocasión introduce en el proceso de construcción de las creaciones de Árboles.

Otro de los elementos característicos de las pinturas de García es el pigmento que forma parte del proceso compositivo de la obra. De las tonalidades llamativas que el artista ha utilizado en trabajos anteriores ahora se puede observar un cambio en su paleta de colores. Las gamas de grises, negros, blancos y verdes toman protagonismo en sus últimas creaciones. Como apunta el comisario, "el creador presenta una serie de lienzos parcos en color que mantienen una viva intensidad en la obra". El cambio cromático, apunta el propio autor, se debe a un intento "de simplificar y limitar las posibilidades expresivas para rendir al máximo y reducir las condiciones extremas". De ahí que confiese que, "al no utilizar tantos recursos", es capaz de "decir más con menos".

El Centro Cultural Gran Capitán acoge la muestra repartida en sus dos salas de exposiciones. Según explicó Bernardo Palomo, el discurso expositivo de la obra persigue el equilibrio entre las piezas: "Los lienzos están dispuestos en las salas de manera que el espacio no se lleve el protagonismo. Asimismo, los colores han influenciado en el orden que guardan las obras". Debido a la contundencia del espacio y las dimensiones de las piezas, se han estructurado de manera que el público pueda captar la totalidad de obra sin que el espacio entorpezca en el concepto de la creación.

Treinta lienzos de distintos tamaños y sobre varios soportes componen la muestra. Algunos enmarcados y otros literalmente grapados en la pared. Media docena de las piezas alcanzan los dos metros de altura por otros dos de anchura que contrastan en la sala con obras que se remiten a la mitad de su tamaño. García acompaña las obras, que define como "creaciones abstractas con un lenguaje plástico que conduce al formalismo europeo con débitos de constructivismo", con versos y frases que les otorga personalidad. En su opinión, el carácter "visual" de los poemas es lo que "permite ilustrar la obra".

En esta ocasión ha extraído los textos del último libro de Antonio Carvajal, que además le ha dedicado un poema que se incluye en el catálogo de la exposición. Arte y poesía se dan de nuevo la mano: "Suavísimos los aires / -alma a luz más limpia-/ en verde esbelto se abren/ a flor, nido y delicia".

Muntadas: “No me invento nada, soy un observador de lo que pasa”

Antoni Muntadas, Premio Nacional de Artes Plásticas 2005, irrumpe en el panorama artístico de Granada con su última creación: Miedo/Jauf, una producción audiovisual que reflexiona sobre la utilización política del miedo. El Centro José Guerrero acoge hasta el 23 de marzo La construcción del miedo y la pérdida de lo público, una muestra que recorre treinta años de estudios que relacionan el arte con los medios de comunicación. Vídeos, instalaciones y fotografías acompañan el proyecto de su serie On Translation, en la que trata el concepto de traducción desde cuestiones culturales, lingüísticas, políticas y económicas.
–En su obra recurre a la televisión para desarrollar sus proyectos, ¿es un medio que utiliza para acercarse más al público o lo ha elegido porque es su instrumento de estudio?
–La televisión sólo es una parte de mi trabajo. Hay algo común en todos mis proyectos: su autonomía, cada uno tiene sus intenciones, límites y realizaciones. Nunca empiezo un proyecto pensando que va a ser una sesión fotográfica, una instalación o un vídeo. En un momento del proceso, emerge el medio a escoger y su decisión. Mi trabajo se caracteriza por el choice, la metodología del proyecto, elegir el medio que considero más apropiado. Coincide que en esta exposición incluyo la cinta Miedo/Jauf, un proyecto producido por el Centro Guerrero que tiene la propuesta de ser televisado, junto al anterior trabajo Miedo/Fear. Los dos vídeos se acompañan en la muestra de otros estudios relacionados con la televisión. En todo caso, no me gusta que me encasillen como un videoartista o Net Art. La televisión es un medio que a veces es observado y otras utilizado.
–Los temas sociales suelen ser una constante su obra, ¿el objetivo es despertar las conciencias?
–El artista tiene que ser testigo del tiempo que vive y transmitirlo. No me invento nada, soy un observador de lo que pasa y creo que el trabajo trata los fenómenos contemporáneos que nos toca vivir. A veces son complejos, otras veces son entramados en que hay distintas estructuras políticas, sociales y culturales. Depende del proyecto en sí, no querría generalizar, cada proyecto tiene su tratamiento. Denomino mi trabajo ‘proyecto’ porque hay que considerarlo individualmente. Pero esto no quita que luego puedan tener conexiones entre ellos, porque un proyecto lleva a otro. Como después de Miedo/Fear, se pensó que le puerta de Europa es Tarifa/Tánger empecé a trabajar la idea de hacerlo allí. Un trabajo siempre lleva a otro.
–Y el hecho de enmarcar estos proyectos en lo que llama ‘On translation’...
–He tenido distintas épocas en mi trabajo, ahora sería dificil enumerarlas, periodos de cuatro o cinco años que he dedicado a situaciones de trabajo. En la última fase que comienza en 1995 con On translation descubrí que vivimos en un mundo traducido que entendemos a través de filtros políticos, económicos, religiosos y, sobre todo, mediáticos. A veces la realidad viene interpretada de forma diversa. A partir de esa serie he realizado 35 trabajos entre los que se incluyen estos dos vídeos.
–¿Cómo cree que incide en el público obras como la reciente ‘Miedo/Jauf’ o la ya emitida ‘Miedo/Fear’?
–No se puede hablar de efectividad en el arte. Se hacen las cosas porque crees que debes hacerlo y sobre todo para un público. En el trabajo se puede percibir y tener cierto feedback, pero no sabes ni te mueves con el resultado de este trabajo para el próximo, son trabajos autónomos y su seguimiento no es el que pueda tener una campaña publicitaria o política. Los vídeos se han visto, han circulado, han pasado por televisiones y actualmente se pueden ver en el Museo Reina Sofía. Me gustaría que llegase al mayor número de personas posible.
–¿Calificaría su obra de invasiva?
–En mi opinión creo que no, este término significaría estar haciendo algo con unas cordenadas para que se vuelva populista y, esa no es mi intención. Quiero que mi obra llegue a quien está predispuesto a percibirlo y a entenderlo.
–Después de exponer en dos ocasiones en Granada, ¿se plantearía realizar algún proyecto en el futuro en esta ciudad?
–Evidentemente, creo que sí. Pero he decir que soy lento y que se tienen que dar unas situaciones adecuadas. Cada vez que visito la ciudad conozco más de ella, de sus circunstancias y su gente. Por ser un lugar donde he presentado trabajos me parece el sitio más idóneo para pensar un proyecto más adelante.
–Como artista internacional y conocedor del arte español, ¿cómo ve la creación local?
–No conozco suficiente su situación como para valorar su estado. Me parece muy interesante que haya un grado de población universitaria importante, por lo que siempre me ha parecido muy viva en este sentido. Tengo entendido que se está produciendo una gran cantidad de trabajos, que hay una notable cantera de nuevos artistas de la Facultad de Bellas Artes de Granada... Luego está el auge de los centros y las galerías... Creo que es una ciudad muy activa artísticamente.

Geometría sintética

Los espacios, las formas y los colores conforman una geometría sintética y alcanzan el equilibrio en la obra del artista Manuel Vela. Una obra "geométrica con cierta resonancia arquitectónica que toma como referencia la contrucción y los espacios" es como el artista define la colección de catorce piezas que integra Cutout, la exposición individual que lleva a la Galería Toro.
Vela, que establece un diálogo entre la figura y el fondo, defiende que su trabajo es figurativo a pesar de que muchos críticos de arte lo han definido como un estilo abstracto. En cambio el artista considera que lo puramente abstracto se encuentra en los elementos con los que trabaja: "Estructuras que no representan nada en concreto". A pesar de mostrar una relación arraigada con el fondo de las piezas, Vela confiesa que en esta ocasión ha decidido "llevarse por la intuición" y cortar los fondos, de ahí el nombre que le ha dado a la exposición Cutout (cortar y fuera). Deshacerse del fondo para descontextualizar la imagen del espacio donde se encuentra. Un estilo que bautiza como "metafísico".
El trabajo de Vela es fruto de un proceso de varias fases de elaboración. Parte de unos modelos realizados en maquetas de madera, que estudia y somete a fotografías y juegos de luces y sombras que sirven como un elemento de tránsito antes de llevarlas al lienzo. Para "ajustar" el trabajo lo traslada a un entorno digital y a partir de ahí construye el cuadro. Es un trabajo lento, complejo y riguroso por el que muestra gran interés, ya que se trata de "todos los recursos" que conducen al resultado de su obra. Pero, a pesar de sentirse atraído por cada una de las fases que le llevan a la composición de sus lienzos, ante todo le gusta llenarse las manos de pintura.
En su obra se observa una clara predilección por el acrílico, una técnica de agua que plasma sobre soportes de lienzo o madera y cuya elección depende del resultado que busque para cada pieza.
En los últimos diez años se ha decantado por la línea recta, las escenas urbanas y los espacios abstractos, pero actualmente se deja llevar por la construcción de elementos individuales que encaja en "espacios que no son reconocibles" a nivel conceptual. Desde sus inicios ha sido notable una evolución en su trabajo y es que el artista reconoce que "no le gusta repetirse ni aburrirse" sino investigar y reinventar cosas nuevas. Por este motivo, prefiere agotar un tema dentro del mismo discurso y luego pasar a algo diferente.
Cutout se caracteriza por un uso de colores puros "poco discretos y llamativos": amarillos, rojos, verdes y azules que somete a equilibrio con el negro. Vela establece un paralelismo con el objetivo de acercar su obra a la pintura clásica más que a las corrientes contemporáneas. A pesar de predominar las tonalidades vivas y saturadas, que el artista procura "domesticar" y darle "cierto aire clásico", también se pueden encontrar en la colección un conjunto de cuatro piezas en sepia y escalas de grises.
Un total de catorce piezas de distintos tamaños y formatos integran la muestra individual del pintor que ha querido presentar en un discurso expositivo donde cada pieza de forma independiente destaque por sí misma y no interfiera con el resto. "Pretendo que no se molesten entre ellas y que al mismo tiempo se refuercen". Como son cuadros con mucho carácter, Vela intenta buscar el equilibrio entre el conjunto y la unidad: "Que el visitante al ver la sala entera se complementen".
Tratándose de obras de estilo abstracto y metafísico, el artista prefiere personalizar cada una de las piezas otorgándoles un título, siendo a veces una pista, una frase descriptiva o incluso un concepto poético. Es el caso de uno de sus cuadros, Luz negra, una contraposición de conceptos puesto que la luz no es oscura sino todo lo contrario. Amarilla y llamativa tal y como la representa en su obra.
Pero su trabajo no sólo encierra lienzos y cuadros, el artista jienense, profesor de Dibujo en la Facultad de Bellas Artes de Granada, también cuenta con una obra de tipo gráfico que engloba trabajos de serigrafía y proyectos digitales. Con una larga trayectoria pictórica y numerosas exposiciones por toda España ha recibido también una larga lista de premios. Entre ellos y más reciente, el que le otorgaron en 2004: el Premio de Pintura del Senado. XXV Aniversario Constitución.